文／李擴 攝影／Exile 圖片提供／SANAA
「我們永遠在嘗試新的東西！」SANAA在21世紀金澤美術館開幕不久後這樣告訴《Newsweek》。「新」，或者說是「變」，是少數能夠形容SANAA建築作品的字眼。
但是SANAA這個名字，卻逐漸有成為新世代建築代名詞的氣勢。
組成SANAA的兩個人，在白髮眾多的建築大師群中顯得相當年輕，49歲妹島和世與39歲西澤立衛，組成共同事務所已經有10年的時間，並各自維持自己的獨立事業。這個建築搭檔，近年來從小住宅設計、資訊展示間、時尚精品店一路到美術館的設計。
不管是去年威尼斯建築展金獅獎，或紐約時報將其案子列為年度美國十大建築案的殊榮，SANAA的成就令人羨慕。兩個人在媒體上的形象卻總是一派清風，輕鬆自然地面對鏡頭……，這倒頗符合其建築作品所帶出的共同氣氛，即是以柔性力量面對複雜世界。
邁向世界的日本建築新聲
在21世紀金澤美術館的設計中，SANAA將城市的各種力量全用一個圓融的造形給統合了，只有一層高的建築外觀，更是一反建築要做的要炫要大的原則；SANAA喜歡使用透明材料，如玻璃，更是其作品的一大特色，在全然的透明性及看不見的量體之間，SANAA將人的視線視為與建築之間很重要的一層關係，更反映出網路時代的資訊透明性。
頗受注目的SANAA新建築，位於紐約的新當代美術館，則是七個立方塊體的堆疊遊戲，單純的建築形體依然看起來不像是耍炫，而是小心翼翼地以智慧對應紐約城市環境的挑戰，被紐約雜誌形容為「極具精妙巧思的感性設計，為紐約帶來新鮮的感受。」
以SANAA為代表的新日本建築風潮，近來頗受西方媒體注意。SANAA的妹島和世與西澤立衛，伊東豐雄、青木淳（這幾位建築師正好在東京表參道的boutique設計連成一條街），及安藤忠雄、谷口吉生，在西方現代主義建築的基礎上，融入日式思維與21世紀資訊時代的個性，相較於歐美新建築常見的誇張前衛風格，顯得自成一格。新世代建築風格，Made in Japan，正要影響世界。
在工業設計的領域裡長久以來大多是男性的天下，初見巴黎傢具展獲得年度最佳設計師的Matali Crasset時，也以為是位男兒身，直到頒獎人唸出法文陰性名字的Matali Crasset時，才恍然大悟原來是位女性。這得怪罪於她的註冊商標髮型太過中性，圓形碗狀的髮型加上簡單流暢的運動型服飾，像是安靜又靦腆的大男孩，但其實這位被法國人比喻為設計界的聖女貞德的Matali Crasset，不只是髮型與貞德相似，就某部份的表現上她也有著與聖女貞德同樣的特質：冷靜、沈穩卻極富有熱情。
在1991年完成學業後，Matali Crasset隨即進入義大利知名概念設計師Denis Santachiara的研究室，輔助進行Denis Santachiara所專研的具有詩意的新工藝技術。1993年她決定回法國發展，Matali Crasset選擇了當時Philippe Starck為藝術總監的Thomson多媒體部的設計團隊工作；不到一年時間，她的才能與執行能力備受肯定而晉升為Thomson設計中心「Tim Tom」的總負責人，毋庸置疑的，她的才華讓她在短短幾年內就已經在歐洲享有名氣。
材質的矛盾性可以轉變成設計的獨特韻味，例如玻璃的輕巧與厚實；因冶煉或製造技術不同、創意的觀點與角度不同，卻呈現截然不同的風貌。Harri Koskinen以此為起點，設計理念與其他芬蘭的設計師風格並不違背，深信一切存在事物正反中相輔相契合的精神。
‧ VAKIO，創意與藝術的結合 
●災後的森之計劃案
LG WashBar在一棟五層公寓裡的，一樓是寬敞的咖啡館與酒吧，裡頭除了有寬屏液晶電視外，還有設計新穎的垂吊式音箱。沿著盡頭的樓梯走上二樓，會讓人誤以為闖進私人公寓內，而這裡就是LG家電產品的展示舞台。公寓被劃分為客廳、廚房、辦公室和視聽間，所使用的家電產品全都是來自韓國的LG家電品牌最高科技的產品：具有奈米銀離子抗菌的蒸氣式滾筒洗衣機、全黑鏡面的Flatron液晶顯示螢幕、3D虛擬音響環繞的家庭劇院音響、無痕鈦金屬面板的奈米殺菌雙門電冰箱。
表參道的新‧安藤建築 開創未來建築的新形式
不過這次安藤忠雄更大膽地以鋼板作為外牆建材，打破了人們以為他只會作清水混凝土建築的迷思，安藤忠雄以傳統摺紙的方式，去思考鋼板建築的外型，創造出一座令人耳目一新，充滿速度與時髦感的鋼板建築，被驚愕的人們稱作是「新‧安藤建築」。這座以16公釐厚的鋼板所彎折出的建築，黝黑的金屬外殼與彎折的角度，十分類似美國空軍的隱形戰機F-117，而其造型與都市空間的巧妙融合，讓這棟建築果然像是隱身在繁華的表參道建築群中，低調卻又充滿動力感。
●表參道HILLS的成功或失敗
Paul Smith從小輟學，也沒有受過正規的設計訓練，進入服裝界完全是偶然。從家鄉諾丁漢開始發展，二十年下來成為英國頭牌設計師，總品牌之下除了賣衣服，還有手錶、傢具、筆、飾品、小物等十三個次品牌販售。其材料皆來自英國或義大利，而設計更被譽為擁有獨特的英國特色。目前在全世界，包含台灣都有分店，日本一地更超過兩百家。在英國Paul Smith堅持每家店都獨一無二，配合其環境，在內裝和外觀上，都彰顯其特色，有時更融入了英國人獨有的幽默，及其對於古典文物的喜愛。最著名的旗艦店不外乎柯芬園、以及改裝老房子得到設計大獎的肯辛頓和諾丁漢店。
等一下，Paul Smith不是應該賣衣服嗎？即使最近他們在Mayfair古董街Albemarle Street開了小物店，號稱「傢具店」，去年年底還辦了「鈕扣」展覽，展出各式各樣的鈕扣，但也不至於改行來賣吃的吧。
建築的後半部維持了高級時裝店的風格，冷色調、結構外露、高級燈飾、灰色磨沙地板、白色一體成型櫥櫃，空間寬敞的像蘇活區，這部份依舊販賣衣服，走休閒路線（如此一來他們就是本區唯一的服飾店）；而前方走廊則鋪了彎彎曲曲的木頭地板，垂吊了滿天電燈泡、擺了一堆二手市場裡的便宜木櫃，加上設計師在旅行中找到的紀念物，每週一換，像七○年代的玩具、舊版漫畫、老海報、老照片、電視電影裡常看到，黑人放在肩上播音樂的收音機等等，這部份則有如無人問津的老古董店，好像一切都是老闆自己DIY的。顧客走進店裡，看著櫃上各式各樣，來自不同年代、不同地域的紀念品，有如走進朋友家裡，充滿了日常生活的趣味；而走進後半部，又立即被提醒這店面還是精品時裝店的遊戲之作。
擅長用材質的造型與結構做變化的吉岡德仁，用手感帶領我們進入視覺與觸感結合的感官世界，一張烘焙的麵包椅子、一個如夢似幻的展場，只有通過觸摸才會知道，設計存在的真實性，也只有在觸摸之後，你才知道原來觸覺帶給你的想像空間，遠比我們視覺能想像得大許多。
有評論家說，世界正在上演一齣纖維材質與織品原料的安靜革命。過去40到50年來，人造纖維、碳纖維已經成為越來越能被創新應用的材質，1980年代才開始有大規模的應用，有很多設計師雖然懂得運用材質為自己的設計加分，卻鮮少有設計師將材質本身做為設計的本質，甚至是藝術的手段。吉岡德仁是個很好的例子。身為材質的狂熱份子，對於材質的製造過程、物理運動、視觸覺感受，他經常使用椅子做為表現的形式，2005年於米蘭展發表的「Soft Boeing」，人造纖維的蜂巢紙椅，吉岡德仁將之切割成優雅的樣貌，在觸感上，完全可以感受到設計過程的自白。
Less than Human是由今井康裕主導品牌的理念，再加上兩位眼鏡設計師──甲賀潤及西尾涉共同完成，以「做自己想做的產品」為概念，在2002年吹起手工眼鏡風潮的獨立設計品牌。
三位設計師以各自不同的視野，在設計上大玩「Cross over」的概念，不論是從文學、詩詞、電影、流行、音樂或不同的文化背景，都成了他們作品的設計靈魂，也讓眼鏡本身帶領大家進入另一個無邊的世界，讓各種不同元素都在鏡架設計上，找到平衡點。 
2005年初，零下的氣溫，德國科隆河邊搭的臨時帳棚中鬧哄哄的，我很幸運地讓受邀觀禮的貴賓給夾帶到管制進入的典禮現場，見證《A&W》雜誌將年度設計師獎章頒給了Richard Sapper；這個名字對熟悉工業設計的朋友，應不陌生。
因為鑽研主題的緣故，讓Sapper決定以工業設計為業，並進入賓士汽車設計部門；1957年移居設計城市米蘭，追隨設計師Gio Ponti，在環境與實作中感受並學習設計；1958年即自組工作室。緊湊的步調讓人不難想像，Sapper是個即知即行的行動派，正如他的作品所反應的，簡潔而不拖泥帶水。
但Tizio並非一上市就成功，第一年的銷售量1000個，第二年更只有500個，顯見70年代的市場尚未準備好接受這麼前衛創新的產品。但偉大的作品終不寂寞，迄今全世界仍在複製、仿冒這項經典，讓Artemide不惜耗費鉅資在全球興訟來保護這項智慧的表現，目的倒不在獲利，而是對創意的捍衛與尊敬。Tizio的聰明概念，連Apple電腦都曾經借用在1995年發展的LCD螢幕原型上。對於這個歷久彌新的概念，2004年，Sapper改以壽命長、啟動時間短、結構牢固、節能、低溫及符合生態考量的LED光源，創作出了Halley（2005，Lucesco Lighting），更精巧靈活的懸臂、更活潑的元素組合，同樣的功能化與前衛創新。
Sapper的產品設計範圍極廣，包括：交通工具（Merzedez-Benz、Fiat...）、家具（Knoll、Castelli…）、燈具、家用品、文具、資訊產品（IBM…）、家電…，甚至是輪胎設計（Pirelli）。Sapper像是用作品在書寫歷史，字字斟酌，藉著產品設計來反映材料科技、產經樣態、時代精神與社會價值；而Sapper的創作也往往需要長時間的研發，據稱，他為Alessi設計的刀具組就花了16年的時間來開發，但觀乎Sapper產品的生命持續力，這些研發時間相對地顯得不值一哂。
幾次在德國知名設計學者兼策展人Prof. Dr. Michael Erlhoff及Prof. Dr. Uta Brandes夫婦家中小住，從樓梯間、入門玄關、客廳、廊道到書房、廚房及臥室，牆上掛的親筆手稿、空間擺設和生活用品，琳瑯滿目盡是大師作品，包括：Sottsass、Mendini、Branzi、Stidio 65……，彷彿小型設計博物館，更甚者，是這些東西都可用、可摸，比起博物館的非禮勿動，來的自由多了。其中有一件素樸的作品，特別引起了我的注意，簡單的漏斗與燒杯架，似是將實驗室中的器材加以組構拼湊，成了一盞立燈，簡鍊的手法，毫不拖泥帶水，詢問之下，原來是Jasper Morrison學生時期的作品，或許是感念Prof. Dr. Michael Erlhoff策劃1987年documenta 8（德國文件展，每五年一次於德國Kassel舉行，為全球最重要之藝術設計展之一）的知遇情誼，而將作品贈與留念。
Jasper Morrison堪稱當今最具影響力的工業設計師之一，1959年生於倫敦，畢業自皇家藝術學院（RCA, Royal College of Art），曾於德國柏林藝術學院進修，1986年起於倫敦成立設計工作室；與Marc Newson、Michael Young、Tom Dixon同時嶄露頭角，自詡為務實派的產品設計師，行止低調不愛曝光。其實與他同期的設計師相較，Morrison的設計與二十世紀末強調個性化的耀眼時尚，有極大的差異，甚至在看到他的作品時，第一眼不太容易感受到一般人所認知的「設計」，一切只是順應自然的發生而已。他往往建議設計學子用心去「讀」周圍的一事一物，然後解決問題。舉例來說，被委託設計一張餐椅時，Morrison必定先找出一張他認為最完美的餐椅，進一步思索自己是否能有所改良，好那麼一點點？
事實上，80年代中期在義大利Memphis團體推波助瀾下，浮誇的裝飾風格極度盛行，對比於此，Morrison的作品無疑地在擁擠喧鬧的形式、色彩中提供了呼吸的餘裕，因而大受青睞。Morrison出版的《A World Without Words》（1998），書名直接道出了他的設計準則：無為，內容是他所觀察、集結的影像：從建築、家具到漁夫帽……，每一幀都反映出簡潔的理性主義；Vitra家具製造公司總裁更在偶然見到Morrison對A World Without Words的影像發表後，認同他的理念而進一步委託他設計。觀察Morrison的作品，無論是為Rosenthal、Alessi等品牌設計的餐用品，或是幫Magis、Cappellini、Vitra等設計的家具，甚至是SONY的家電，可以發現Morrison偏重於功能、結構、品質以及創新技術的應用，忠於材質的直觀表達，以提供更適於消費者使用的產品為訴求，色彩上多採用無彩色、中性色或材料原色，完全隱匿感性或心理性的抒發，強調產品的客體性，重於設計師個人的主體性。 
在Ingo Maurer的世界裡，充斥著各種形式的光明，當老婆跟他說：「你想太多了，關燈睡覺！」，偏偏關燈正是他最辦不到的事。Maurer的作品，素材平易，表現手法也沒有史詩般的澎湃激情，點到為止的細膩感讓人體會到他的內斂與溫柔。Maurer精確算計的不是瓦特數與伏特數，而是光與人如何優雅地共存。若問這世界是否缺少一盞燈？答案應是肯定的，少的就是Maurer正在設計的那一盞！
Ingo Maurer生於1932年，學的是印刷設計，因為1965年的作品Bulb桌燈，傳統梨形燈泡的誇大複製，直接而率性的燈光詮釋手法，造形簡單卻極具衝擊力，因此在1966年被紐約現代美術館（MOMA, Museum of Modern Art, New York）收藏，同時也獲得法國文化部頒贈獎章，1967年美國《The New York Times》更以頭條「燈泡裡的燈泡」來報導Bulb這件作品。一般燈具設計無非是想方設法地把「燈泡」遮蔽起來，Bulb赤裸裸的震撼力，展現了Maurer單純的美學思維。Maurer因為在義大利威尼斯的小旅館裡，凝視著天花板垂吊而下的燈泡，毫無矯飾的純粹之美，敬佩愛迪生的偉大發明，因此有了創作Bulb的構想。漫畫裡常常見到，當靈感乍現，總會在腦袋邊浮現一個燈泡！這件作品無異有著多重隱喻，無限遐想。初試啼聲後的佳評鼓舞了年輕的Ingo Maurer，從此激情投入了光的魔幻世界，結合團隊技術研發，創造無數感人的作品，證明「光」可以藉極簡的細節處理，來傳達隱含背後的狂野創意，反映出作品本身的煽動性與幽默感。
Maurer的作品素材多元，富含實驗性與挑戰性，像是個煉金術師懷抱化平凡為神奇的強烈企圖，例如：陶瓷碎片、瓶罐、紙片、羽毛、鋁箔、刀叉……，但他並非僅將材料任意組構，而是克服了種種的技術挑戰，每一個看似隨性偶發的細節處理，其實都是嚴謹精確的考量計算，以理性科技來成就感性表達。
具有兩百年歷史的筆記本？聽起來很不可思議，但是Moleskine的的確確已經走過了兩個世紀，兩百年來獲得許多藝術家、知識份子、極具代表性的歷史人物的喜愛，伴隨著他們生平的點點滴滴，他們的草稿、筆記、計畫、構思，甚至個人情感，再成為成熟的作品之前，逐一被紀錄在這些袖珍的筆記本上。
充滿人文氣息的Moleskine遇到了另一位Fans，變成開始帶有傳奇色彩，這位70、80年代非常有名的旅行家和作家Bruce Chatwin，自從他有一天在巴黎一家舊式文具店買下Moleskine之後，從此就成為他旅行途中必備的隨身用品，每次出國展開新旅程之前，都會先準備好數量足夠的筆記本，他甚至表示，「失去護照對我來說不算什麼，但是失去筆記本卻是一個大災難！」他深怕有一天遺失他心愛的筆記本，不僅一頁一頁編上頁碼，並在內頁寫下他的名字和至少兩個國家不同的地址，同時留言承諾拾到並且歸還筆記本的人，一定會收到他答謝的報酬。
記者會當天，《La Vie》和現場藝術家有一場迅速問答，來聽聽這些藝術家怎麼說！
