用設計創造節能生活態度 Die Electric by Scott Amron

TEXT=Daniel PHOTOS= Amron Experimental提供

假設，因為資源嚴重匱乏，全世界明天開始將共同進行管制，停止供應電力，看著再無用處的插座，你打算拿這些高高低低散佈在家裡牆面牆角的小洞怎麼辦？還好
在可預見的未來裡，這還純粹只是一種假設性的情況而已。不過，美國設計師Scott
Amron確實認真思考過這些問題，而且還提出了十分有趣的解決辦法，就是賦與插座新用途的Die
Electric。Dielectric就是所謂的絕緣體，會阻斷電流傳導的物質，「Die
Electric」不只是絕緣，Amron還進一步地想讓禁絕對電力的依賴。

美國前副總統高爾拍攝的《不願面對的真相》（An Inconvenient
Truth）改變了許多人的想法，雖然部分內容受到外界批評缺乏足夠的科學佐證，但它也的確點明某些長期受到忽視的事實，和所有人最切身相關的就屬日常生
活中的用電問題。現在全世界電力的主要產生方式還是依靠燃燒石化燃料，溫氣氣體和空氣污染是發電無可避免的副產品。使用電器表面上看起來似乎是乾淨對環境
無害的，事實上並非如此，多消耗電力就等於多製造污染。但我們平常很少被提醒使用電力對環境的衝擊。電氣用品即使關閉，只要插頭還插著就依然消耗電能，一
般家庭每年因這裡無謂浪費的電力平均高達總用電量的5％。我們平常視為理所當然的插座可能就是造成我們浪費能源、進而導致全球暖化的真兇之一。所以愛環
境，電器不用的時候應該把插頭拔掉。

但從經濟學的角度來看，人類的行為選擇必須要有適當誘因，把電器插頭插上或者按下電燈開關，不過都是舉手之勞而已，完全沒有行動成本可言，因為就很難引起
行為者的注意。Die
Electric可以改變這樣輕率的行為模式，其背後的設計理念其實非常簡單清楚，用一些低科技成份且不導電的生活用具，像是方便的牙刷架或是古怪的花瓶
佔住空著的電源插座，強迫人們減少使用電器，另一方面也提醒你拔掉一些非經常使用電器的插頭，久而久之自然養成節約用電的好習慣。如此一來，插座就變成反
浪費能源的新視覺符號。

順帶一提，Die Electric雖然還是原型，但可以到官網上購買，而且價錢還頗高貴（相較於它們的功能價值），Scott Amron製作Die
Electric，原本只是把它們當成一次性的試驗性設計，結果在網路上公開後，獲得的迴響原超過他的預期，有鑑於欲購者眾，系列中部分較受歡迎的品項例
如Off掛勾電源開關，已經開始量產，未來將公布另一份商業版的價目清單。Amron表示他維持目前的高定價是想減少訂單的數量，在大環境如此不景氣的現
在，聽起來似乎有點讓人眼紅，不過有這麼多人以實際消費表達他們對環境永續理念的支持，其實是很令人振奮的發展。

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Scott Amron
出生於1980年美國紐約，在紐約州大拿到工程與應用科學的大學學位，目前成立了一間個人設計公司Amron
Experimental，專門為製造業者、工業設計公司代為設計或製作原型商品。對創作、發明充滿熱情的Amron形容自己是一名電子工程師、設計師、
發明家和概念藝術創作者，腦子經常冒出各式各樣的奇怪點子，設計是他傳達自己對世界各種想法的手段。

DFUN設計風尚誌

The Cooper Square Hotel in NY 奢華中創造獨特的設計經典

TEXT=Daniel INFO、PHOTOS= BeccaPR www. thecoopersquarehotel. com 背負紐約城市發展的特殊歷史背景，設計師與當地社區、居民協調出一種奇特的共存模式，讓Cooper Square Hotel在豪華之在，又多了幾分人性。 在領導全球流行文化的時尚之都紐約難道還會缺一間奢華的高級飯店嗎？何以Cooper Square Hotel從興建計畫公佈之初就廣受各界注意，甚至有紐約當地居民為它成立專門網站，追蹤記錄整個興建過程的大小事情？開幕後更是吸引美國媒體爭相報導， 且讓各界名流趨之若鶩？ 除了Cooper Square Hotel施工總金額達1億1500萬美金（想當然爾，完工品質絕對夠得上頂級二字），最大的原因在於整個開發案與當地社區發展與城市環境變遷有著密切關 係，設計師為了配合種種歷史、外在條件而做的各種規劃，反而讓Cooper Square Hotel呈現與紐約其他豪華旅館相當不同的特色。 先從飯店所在的Bowery區說起。Bowery是位紐約曼哈頓南邊一條街道和同名的小街區，1960及70年代是Bowery的最低潮，特別是石油危機 時期，街景一片蕭條，被視為高犯罪率、低住房率的區域。進入90年代，紐約市政府針對Lower East Side開始推行全面化的都市更新，大片的老舊公寓建築被逐步轉變成高級住宅大廈；到2005年，整個街區景觀可說是完全煥然一新。都市環境經歷這種全面 性的轉變當然不會全無代價，Michael Dominic以Bowery當地一棟廉價公寓居民的生活為題，拍成記錄片《Sunshine Hotel》（2001），見證了經濟弱勢面對環境變遷時的無奈。 Cooper Square Hotel位置鄰近紐約最精華的商業鬧區，最好的精品店、餐廳、夜店、藝廊及博物館都在徒步可達的範圍內，從落成後的飯店房間裡可以眺望帝國大廈、曼哈頓 城區、哈德遜河及布魯克林大橋等紐約著名的景觀。具有如此高度開發價值，這項開發案卻在一開始就碰到大難題。 一棟年代久遠的4層磚造公寓，早於1930年代的大蕭條之前就已經蓋在這片飯店預定地上，而且老公寓中有2家住戶堅拒搬遷，因此無法和一般建案一樣全部拆 除重建。營造商Peckmoss Group幾經波折終於讓步，和住戶達成一項奇特的協議，在原來的舊公寓基礎上「改建」。 改建為建築設計帶來相當大的結構性困難，負責這部分工作的Carlos Zapata公司，以非常動態及前衛的建築設計而聞名，他們最後採用的辦法是讓新的混凝土圓柱沿著老公寓庭院外圍興建並且將它包圍在內，支撐起新大樓的主要部分。 Carlos Zapata表示，拆除會便宜很多，但最後，保留老公寓的決定讓得到正面結果，原本遷就它的設計考量反而創造出更適宜人居的內部空間。 經過重建的舊公寓三、四樓保留給未搬走的兩住戶，他們擁有可直接穿過飯店的獨立出入口，一、二樓成為飯店的公共圖書室及辦公區域。為了配合公寓住戶所需要 的隱私性，設計師引入紐約東村傳統的小型天井格局，將一、二樓的公共區域分成幾塊具私密性的半獨立空間，透過彼此連結但互不干擾的動線直接進出二樓戶外的 空中吧台，而不必行經一樓大堂，整個內部空間配置因此更具親密感。 從建築整體外觀看，Cooper Square Hotel為一棟23層將近70公尺高的全新玻璃鋼骨大樓，正面外形類似直立的鯊魚背鰭，甚至讓人聯想到杜拜的帆船飯店，Carlos Zapata表示他們的設計靈感來自於人臉的側面輪廓，他們希望能讓新建築的外在和它的獨特內在一樣，擁有個人化的鮮明性格。 負責實際飯店經營的MK飯店集團的Klaus Ortlieb 表示，「Bowery擁有非常豐富的文化資產和多樣化的社區景觀，我們希望為在新飯店帶入『家』的感覺，讓它更能融入社區境之中。」為了創造出回到家的感 覺，Cooper Square Hotel沒有一般飯店的接待，當房客踏進大廳、服務人員俸上飲料的同時，住房登記的動作就在視線之外完成。 Ortlieb形容這是一種獨特奢華風格，在商業鬧區的熱鬧便利中摻入一些現代歐洲的安靜感覺。他在接受美國《GQ》雜誌的訪問中提到另一個讓旅館感覺像 自家的關鍵在室內設計部分，秘訣就是「真正的書」，不是一般飯店提供的通俗雜誌。Cooper Square Hotel提供總數四千多本不同書籍，內容含括文史科哲各類，而不光是在公共圖書室，每間客房裡都會有這些書本可供閱讀。書本作為一項服務，同時也可以視 為一種室內設計的裝飾原素。 Cooper Square Hotel這套作法是由老式歐洲飯店所移植過來，由義大利名設計師Antonio Citterio負責室內設計，B & B Italia提供家具搭配，進一步深化內部空間氛圍與歐洲貴族時代的相似性。 Cooper Square Hotel的落成，某種程度上標示著Bowery區都市更新的重要進程，雖然施工所遇到的困難及對應的處理方式應該算是罕見，但它的經驗或許可以給大家在思考建築與環境新舊衝突問題時，一些不同的啟發。 DFUN設計風尚誌

Crystal City Mind城市影像展 by COORDINATION

TEXT=Daniel PHOTOS=COORDINATION提供



城市不只是讓人聚居的空間，它同時包含著居民對它的各種認知與思考，即使對它習而不察，每個城市居民心裡對自己生活於其中的這片場域，多半還是產生某種共通的印象。如何適切記述城市的真正樣貌，一直是文學家與藝術家的創作主題。但是對於變遷過於快速的城市，又該如何？

柏林經過兩次世界大戰、冷戰的對峙，在1990年共產勢力垮台後，又回歸資本主義社會體制，再次成為統一德國的首都。各種政治、經濟、文化、民族勢力在這
座城市交替上演，尤其是這近二十年間更是一夕數變，變化快得如同激流，連當地人都覺得居住多年的街道一夕間變得陌生，更別說要用明確的字眼來形容整個柏
林。



像柏林這種由城市深層各面向經歷快速變遷，在世界上並不多見，用一般攝影的方式，記錄到的只能顯現特定時點的景象。從觀看者的角度來看，這些畫面可能很快就失去意義，難以表現出城市隨時間流動的本質。

柏林當地著名的設計團體COORDINATION和攝影工作室diephotodesigner.de構思出一種新媒介來表達變化中的城市意象，
他們合作完成這項名為「Crystal City
Mind」的影像展覽，今天夏天開始在柏林展出，九月間受邀移師到倫敦，成為2008倫敦設計節（London Design Festival
2008）的展覽項目之一。

「Crystal City
Mind」是一項裝置藝術與設計、攝影結合的作品，COORDINATION以不鏽鋼製成多面立體雕塑設計，整體外形如同水晶柱群，亮面拋光和黑化的表面
處理手法交錯運用在不同切面上，加強光線明暗的對比。這些不鏽鋼雕塑從柏林圍牆蹪址開始，分別陳列在柏林市不同的街道上，透過鋼材表面的倒影，捕捉柏林在
過去20年間快速變遷的影像，記錄新舊之間的聚合。

水晶在視覺上可以有多重意義，雖然它可以像鏡子一樣產生倒影，但相對於四周景物，每個切面都只映照出非常有限的真實，只要角度稍稍移動，則看到的
又是大不相同的畫面。而透明晶體雖然堅硬，卻讓人有易碎的不安全感。新舊交錯之間，新生的柏林街道顯得炫目迷人，但卻又破裂而殘缺，在不斷變化的視角中，
試圖在觀者眼中尋得自己的定位，其實這一些都反映著城市與居民彼無法安定的現代性關聯。
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DIY讓設計消費更有趣：Betty Lou & DEKs趣味燈飾

DIY是現代社會裡一種非常普遍的生活方式及生活態度，對工業設計也帶來非常深遠
的影響。或者也可以說，商品設計就是設計師本身認識到某些生活上的需求，嘗試利用利用某些素材DIY來解決問題的成果，不過現在消費者也習慣這種自己動手
的方式。因此在居家領域中，許多設計或多或少保留著讓消費者自行變化的空間，讓商品更能契合個人化的偏好與需求，而不只是單純的使用。

美國的Mark Mckenna不只是一名設計師，對電子、工程、材料方面也有相當的專長，由於求學時期曾在德國著名的燈具設計大師Ingo
Maurer學藝，讓他對燈具方面也特別感興趣。西方人喜歡在晚餐餐桌點上一根小蠟燭，讓溫柔的燭光增加用餐時的美好氣氛。蠟燭有燃燒時間不夠長、煙焦
味、容易熄滅的問題，所以Mckenna設計出光線效果相近、但更安全便利的Betty Lou。

Betty
Lou主體是一個鋰充電式LED燈和碗形倒扣的透明燈罩，充飽電後可連續照明七小時，專利的充電器附有電源管理電路，能檢測電池的充電狀態，並同時檢查是
否有短路。除了電路部分，更重要的是McKenna精心設計的透鏡和鋁質反射片，他花了兩年時間研發，才找出最佳的光線反射角度，讓Betty
Lou的照明效果如同真正的燭光一樣舒適溫馨。使用起來也非常簡單，把LED燈套進燈罩裡，再罩在一只酒杯上就行。出廠的包裝裡有附酒杯，當然也可以換成
自己最喜歡或覺得最美的酒杯或任何小型的透明花器，創造餐桌上專屬於自己的親密感。

Betty Lou是Mark
Mckenna在2008年的最新創作，之前還有一樣更有趣的DIY燈具設計，讓他在美國設計圈成為一時話題，就是DEKs（Designer
Emulation
Kits），用簡單電路板和電池做成的經典燈具迷你模型。DEKs的原始構想來自於一個玩笑，McKenna一時興起，用手邊的材料仿造出恩師Ingo
Maurer的燈具，之後這個概念不斷擴充，在雜誌和部落格之間不斷流傳，最後終於變成實際商品。



DEKs的材料基本上就是PCB印刷電路板，線路構造本身很簡單，消費者買回家後，按照說明書上的圖例裝好，接到9-V的電池上，然後享受它帶來
的樂趣。目前發表了五款，五款的造型都取自於設計界大家耳熟能詳的經典燈具作品。雖然DEKs看起來很像小朋友的玩具，但實際上，一直有設計公司主動要求
將他們的燈加到DEKs系列中，但被McKenna婉拒，McKenna把它們視為自己向歷史上著名的工業設計經典致敬的方式，所以對模仿對象的選擇也是
非常嚴格的。如果買不起或買不到原版的大師作品，在書桌上擺個DEKs，也不失為一種擁有經典設計的好辦法。





Mark Mckenna

http://www.mmckenna.com

藝術家、設計師、工程師。出生在美國伊利諾州的農莊，在伊利諾州大接受工業設計教育，大學畢業前，他就在美國取得一項專利，設計出一台自動機器用
來裝填防洪用的沙包，展現他的多才多藝。之後Mark到英格蘭 Northumbria大學及德國燈光魔術師Ingo
Maurer門下繼續研習設計。學業完成後，他先在Henry Dreyfuss Associates工作，傑出工作表現讓他得到成立Ingo
Maurer紐約展示間的機會，並成為該店負責人。2002年正式成立自己的設計公司mckenna LLC。



由於McKenna本身具有深厚的工程背景，因此在他的理念裡，如何發掘出科技優雅的一面就成了最重要的課題。

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陰陽倒錯 逃離現代幾何設計的拘束Negative series by Chris Kirby

TEXT=Daniel INFO、PHOTOS=Chris Kirby www. chriskirbydesign. biz 「負面空間」（negative space）是一個藝術上的特殊名詞，指的是一張圖畫或照片中，畫面主體之外的空間部分。這個概念在東方文化中存在已久，日文稱之為「間」，更抽象的就是 中國傳統陰陽觀念中的「陰」或是「無」。在繪畫或攝影的表現手法方面，負面空間的重要性經常被低估，但卻往往成為決定作品好壞的關鍵，有時候它甚至才是創 作者真正所要表達的重點。 模造品也是說明物體與空間正負關係的好例子，用大家比較熟悉的陶瓷來作說明。大量製造的陶瓷器物需要用到模具來灌漿複製（Split casting），其程序首先是把水與坯料混合成泥漿，再倒入高吸水性的石膏模中。泥漿的水份吸入模中，會在模型內部表面留下一層坯體。多餘的泥漿被倒出 模外，接著打開模具，就得到成品，再依同樣程序複製出其他物件。一般空心的花瓶、茶壺都是用這種方法大量製造出來的。 在灌漿複製尤其更複雜的包模鑄造過程中，必須製造出多餘的陽模（Positive，和成品一樣）和陰模（Negative，灌漿用的外模）。後者不是成品，經過多次使用後，會逐漸失去精確複製的作用，最後只有淘汰換新一途。 陰模是用陶瓷泥漿或是其他樹脂類材料製成，和最初外型方整的石膏模不一樣，其外觀（不是用來灌漿的內部中空表面）無法被預期，唯一確定的是陰模一定會有不規則的贅邊、裂隙和接縫。 由加拿大移居日本的設計師Chris Kirby注意到陶瓷模造過程中，這些陰模有時候會形成出人意料之外的有趣形狀，所以他就想到何不反過來將這些原本該被廢棄的陰模，當成陽模來使用。他將 大量陰模堆疊在一齊組成新的原始模型，再依此複製出新成品。在重組原型的過程中，Kirby刻意保留贅邊、裂縫這些正常陽模一定要去除的「瑕疵」；它們一 方面整件陶瓷器物製作過程的證據，一方面成在大量複製的方式中也摻入出令人訝異的獨特性以及不可預期性。他最終完成的Negative系列瓷器，反轉了 「物件/鑄模」和「正面/負面空間」之間的關係，將負面空間以一種出人意料之外的方式呈現出來，也讓瑕疵反過來為一種獨特的美學表現手法。 相較於現代主義，文化上的後現代主義採取「解構」的觀點，也就是傾向支持世界上多重的不確定性；表現在建築與設計上是一系列元素的分解、錯置、拼貼，甚至 違反理性主義追求秩序與平衡的美感原則，Negative系列完完全全表達出後現代主義的精神。撇開嚴肅的思想議題，現代家具通常都強調簡單明確的幾何形 體，Negative系列跳脫常軌的風格正好可以室內空間帶入更活潑多變的氣氛。 Negative系列在08年的東京設計週展出過，分成吊燈及花器兩種，分成幾種不同尺寸及外型可供選擇，也可以向設計師指定尺寸，不過準確的外型連作者本人也不會知道。

DESIGN WITH A SMILE設計展 讓人發笑是一種普世價值

TEXT=Daniel INFO、PHOTOS=Design Museum Gent

幾乎每位設計師都主張，設計的目的是服務於人們的生活福祉，所以造型要服從於功能，或至少要具備良好的功能表現，才稱的上是好設計。但是如果你願意的話，
請想像一下，當我們把功能、實用目的從設計之中抽離後，產品會是什麼樣的光景。或者說，一件設計品可以讓人發笑、心情愉快，算不算已經履行某種功能？

“Design With A
Smile”是一項十分耐人尋味的展覽，因為它所展出作品與一般我們熟知設計的目的──美感與功能可說是全然無關，而是如何透過設計讓人發笑。策展單位
Flanders Design
Centre評選近十多年來各種他們認為真正符合有趣、幽默精神的各類型商品，依笑點把作品分成幾類，包括遊戲、食物、宗教、暴力、自然、家用、誇大等
17個類別，在比利時設計博物館中展出。

幽默是很主觀的，尤其實際表現時經常牽涉到不同文化背景和生活經驗，比何謂美麗更難有一種普遍標準。和設計結合在一起，更難透過實際商品表現出來。這次展
覽充分證明設計絕對可以聰明而出人意表，挑動大家的笑感神經，改變大家的心理情緒。把填充玩具變成沙發，用樹枝刻出USB隨身碟，各種各樣、千奇百怪的有
趣點子，表現手法完全不受固定形式和概念所拘束。而設計師的創意不只表現在成品上，在作品的命名、敘述上在在都讓人發出會心一笑。最大的共通點大概就是同
樣都缺乏功能性的實質意義。雖然我們現在很習慣在網路上看到各種kuso的創意，也經常看到許多有趣的創意商品，不過看到數量如此多、完成度又高的幽默設
計集合在一齊，還是頗壯觀。

1.“MAMA”椅子 by Rasa Baradinskiene
2. Oooms原木USB抽取碟 by Guido Ooms & Karin Van Lieshout
3. Comunistar“Fetish”手提袋 by Peter Jakubik
4. Vlaemsch“Icon”十字架 by Eric Morel

我們可能會以為這些幽默作品是設計師刻意為之的結果，但策展的Flanders Design
Centre表示並非如此，許多都是意外的產物。設計師把設計的過程視為GAME，他們經常在腦裡存著一個有趣的原始概念，但在實際執行階段總會在不確定
的地方走偏或出錯，最後就變成這些出人意料之外的設計。所以Flanders Design
Centre希望透過這項展覽尋求出某些設計的潛在趨勢，特別是對設計有趣、而非功能面的探討。

5. Konstantin Slawinski S-XL蛋糕烤盤 by Ding 3000
6. Pandora Design“St. Peter”榨汁器 by Giulio Lacchetti
7.“Dip”文件夾 by StauffacherBenz

在輕鬆搞笑的一面背後，這項展覽有其嚴肅意義。幽默和喜感是最近設計界逐漸受到注意的要素，這絕對不是一個容易切入設計的角度。設計所表現出來的經常比我
們想到的要多得多，就像超現實主義一樣。超現實主義通常被視為一種文學和藝術運動，但它在20世紀對其他領域所產生的影響力亦不容低估。愈來愈多設計師透
過精妙的諷刺和幽默，使設計成為一種意見傳達的強力工具，讓它在現代社會中格外具有意義。
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2008澳洲維多利亞建築獎提名 INGOLDSBY HOUSE

由Seeley Architects事務所設計興建的Ingoldsby House獲得了2008年RAIA維多利亞建築獎的提名，是這眾多建案中近來最受矚目者，座落在鄰海的高地上，外觀安靜得令人印象深刻，就像海岸天然植被的一部分，與寬闊無邊的景觀渾然一體。

在大洋路沿線興建建築最的挑戰在於當地的氣候。維多利亞州雖鄰近海岸，然而天氣卻屬於變化無常的典型大陸性氣候，忽熱忽冷、晴雨不定，墨爾本的天氣甚至被
稱為「一日四季天」。由於位置條件特殊，所以Seeley
Architects在設計時特別考慮要讓建物能承受海風及雨水的侵擾，所以選擇原本散布在海岸的簡單防波堤和小型碼頭，做為設計的概念原型。

Ingoldsby
House以粗壯的石材立柱做為基礎，如同碼頭上的纜椿；再利用原木橫樑，巧妙地調整視覺與空間配置，形成堅實和柔弱兼具的特質。建築的內部構成則儘量簡
單，順應周邊日照、景觀等條件，規劃成向外連露台的起居室、背海的臥房和浴室，下層是半地下化的車庫和儲藏室。室內設計的整體風格與外觀一樣，保留樸素天
然的性格。

現代建築的種類從最陽春的水泥小屋到超現代的大廈，還有介於兩個極端之間的無數類型。



Ingoldsby
House與其說是在各種不同樣式做嘗試，不如說是回應自然環境所產生的合理結果，包括風、雨、日照、天然植披、視角，還有即存的碼頭景觀。在堅固的結構
下，外牆的木材和石材受天氣、歲月洗禮留下痕跡，微風清爽地貫穿室內，Seeley
Architects成功營造出輕鬆的海岸生活空間，體現澳洲人對維多利亞州（Victoria）海岸美景典型的浪漫嚮往。

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Seeley Architects

http://www.seeleyarchitects.com.au



Seeley Architects成立於1998年，是澳洲相當傑出的建築設計公司，在澳洲當地曾獲得多次建築獎項的肯定。創辦人David
Seeley 擁有25年建築設計經驗，畢業於澳洲維多利亞的Deakin
University，在進入建築學系之前，就已經是一名造景及住宅建築包商，這段經歷讓他大量接觸到天然建材，並且非常瞭解設計案的可行性，以及完工後
與環境的互動性，對他的設計理念產生極大影響。簡單、未經裝飾的表面外觀，不矯飾的細節，讓他的作品可以正面反應所在地的地理條件。

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