TEXT=Daniel INFO、PHOTOS=MoMA  在二十世紀的西方文化演進過程中，紐約扮演著關鍵性的角色，這座城市是幾乎所有人認知裡的「現代性」（Modernity）的具體呈現，文學、電影、藝 術……每個領域都看得到紐約大量出現；它本身人們具體建構現代性的實質空間場域，也啟發出各種對現代性的想像，現代建築的興起與各階段的轉變也清楚地記錄 在這裡。 位在紐約曼哈頓中城布萊恩公園西側和北側，矗立了不少1970年代的辦公大樓，外觀設計不約而同採用灰色調的玻璃和長條石材構成的垂直立面。如果鄰近的克 萊斯勒和帝國大廈象徵著旭日初升的現代建築風格，這些晚它們五十年興建的後進所表現出的單調機能主義設計取向，反而更像是現代風格缺乏想像力的註腳。 真正有趣的是，建築的時尚潮流總是週而復始不斷更迭，這個時代獲得激賞的建築物，可能在下一個十年就被批評為俗不可耐或是令人乏味，情況也可以正好相反。 紐約現代博物館（MoMA）去年七月開始一項名為「Dreamland: Architectural Experiments since the 1970s」的展覽，說明了建築思潮與實務不斷衝突、變遷的辯證關係，與70年代街頭實際可見的單調建築相比，同時期建築師各種異想天開的構想甚至能讓廿 一世紀的今天相形見絀。  MoMA舉辦「Dreamland」緣起於前不久將一位建築設計師Rem Koolhaas的著作及設計圖面納入永久館藏；事實上，Koolhaas一幅以水彩創作的《Plan of Dreamland》 （1977）就是這項展覽名稱的由來。策展人Andres Lepik及Christian Larsen表示，Rem Koolhaas在1978年發表的專書《Delirious New York》，以事後回溯的角度去探討曼哈頓城區的發展歷史，他針對各個建築設計案例進行歷史分析之，同時又加入對其他設計概念可能性的探討，藉以凸顯都市 生活與建築兩個層面在理念與現實之間的對比。Koolhaas扮演一個熱情觀眾的角色，把設計和自己在街頭所見直觀地連結在一起，這種帶著玩興的論述方式 在30年前，即使不是獨一無二也算得上是相當新穎，和其他現代主義嚴肅的論述風格形成二極，代表同時期建築設計風格向後現代主義的轉變。  紐約市一直是一塊夢想者的大磁鐵，對建築師也不例外，對更早的世代而言，城市設計嚴守機械式的棋盤格狀規劃，整座城市就像一部上好油運作順暢的機器，但這 種觀念經過半世紀逐漸活力。尤其到70年代晚期，紐約市的財政狀況因石油危機而跌落谷底，理想中的現代城市也受到多數人的遺棄。 當時許多歐洲建築師來到紐約，想找尋一塊能自由發揮想像力的實驗場。或許他們認為自己的構想將成為紐約復興的救贖力量，或至少正值發展低潮的這座城市會更 願意放手一搏。總之，Koolhaas與其他年輕建築師在危機與混亂之中，反而發掘出一種新的、帶有濃厚實驗意味的社會互動典範，從過去的嚴謹態度中被解 放出來，讓設計師和民眾同樣感受到令人振奮的魅力。當時各種探討建築烏托邦的成果被大量保留在MoMA館藏中，經過三十年時間的沈澱，透過 「Dreamland」展覽又重新確認了他文字的影響力，也讓我們回顧紐約甚至全世界的建築，是否真正朝向設計師的理想接近。 實際的展出作品都是由MoMA永久館藏中挑選出來，形式以繪畫為主，也包含二十多件的模型。其中大部分作品都著重在超大型建物，鉅細靡遺地描繪出一座由各 種新穎的建築物所組成、完全不同的紐約。有些作品讓人對科幻小說裡的奇幻場景產生直接聯想，例如Hans Hollein的《Urban Renewal in New York》，把曼哈頓下城區變成一個巨大的昆蟲型機器，策展人Lepik解釋這是對柯比意「房屋是用來居住的機器」一說的諷刺性延伸。Gaetano Pesce畫面陰沈的《Church of Solitude》則是描繪了一座地下城市結構，將紐約向上發展的建築趨勢倒轉向地下。這些作品表面上雖然是各種激進主義思維的集合，但絕大多數的概念出 發點都專注在解決實存環境中的特定問題，只是他們所採行的解決方案都傾向於直接進行全面性的都市更新。 除了純粹的空想式圖像作品之外，這次展出中還包含其中有不少有真正施工完成，當然和畫作相比，這些模型的設計構想要保守得許多，這樣落差正好讓我們看到設 計師在理念與實務之間的掙扎。而且這股由70年代興盛的思潮隨時間推移，逐漸失去力道，雖然具有高度創意，但狂想的成分愈來愈淡。到如今，紐約建築甚至被 批評已經失去啟發作用，尤其是和中國或杜拜相比。MoMA舉行「Dreamland」是單純的歷史介紹，還是想重建紐約內在的實驗精神？ |
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【TEXT=楊諮宜 PHOTOS=Pixie、廠商提供】 Kidult 童心未泯 搶進Kidult一族 原創、企業公仔風潮 「公仔」這個香港外來語是源自於香港對人偶(figure)的通稱，原始的語意跟台語的尪仔的意思相通。 人偶早在人類遠古，捏土、製陶、磨石、刻木的手工藝時代就已經登場。長久以來，人偶或為偶像拜，或為感情寄託，或為兒童的玩具，出現在我們生活的周遭。 二十世紀初，漫畫卡通躍上印刷媒體及動畫電影上，大眾文化興起。這些漫畫卡通人物所衍生的人偶商品透過工業化的大量生產，不但小朋友喜歡，也風靡了從小接 觸這些漫畫卡通而逐漸成長﹑童心未泯的大朋友（Kidult），成為一代一代兒時回憶的鄉愁進而衍生出大朋友的玩具收藏市場。  但是提到為人偶賦予現代藝術創作元素就不能不從香港說起，一直擔任世界玩具工廠工藝基礎成熟的香港，二十世紀末出現了原創、不同於商業大量複製卡通人物的 塑料人偶。這些自創角色不是來自夢幻的卡通世界而是取材於街頭的滑板、衝浪板、籃球及塗鴉與街舞等流行文化。身上裝飾著紋身刺青、耳環、項鍊、穿著垮褲腳 蹬名牌球鞋，反映了年輕人自由街頭文化精神。 其中先驅者Michael Lau透過SONY公司引進擁有悠久人形文化的日本，不但大受歡迎而且造成原創公仔的流行風。同時還引起歐美藝術界的注目，漸漸被接納成為新的一種雕塑藝 術形式。另一方面，透過公仔媒材可大量複製的特性，將普普藝術的意念帶入，成為一種新的設計師與藝術家玩創作的畫布。  這項潮流不久也吹到了台灣，香港的「公仔」為人偶尪仔的傳統意涵帶來了新生命，觸發台灣新一波的公仔文化。 目前台灣不少設計師開發出個人公仔設計品牌。像Pixie總監、著名的公仔設計師Mark Chang的代表作《So What》，小猿人表情無奈、兩手一攤的，呈現一種「我就是想這樣做，你能怎樣？」的態度。將個人的心情態度反射在角色創作上引起普遍的共鳴。除了設計師 的原創作品，還有取自插畫家的角色的公仔，也有許多青年創作者也受此風潮影響紛紛自創角色人物，台灣的創意產業正蓄勢待發。  「公仔」重新賦予人偶生命，還反向改變既有的企業公仔。像7-11的《OPEN小將》除了為企業量身打造原創趣味性十足之外，2007年還推出由國內外 12位藝術創作者的藝術版《OPEN小將》創作。而台灣設計品牌包 Santana的企業公仔《撒旦‧那兒》，顛覆了撒旦的刻板印象，將品牌立體具象化，並且延續每一季推出新品的精神，而衍生不同的面貌出現。SONY公司 也為電腦的光學周邊設備商品，針對目標消費群，創造出四個萌到不行的kawaii《光學女孩》角色。  真正讓公仔隨處可見環繞在我們生活周邊的是連鎖便利商店的推波助瀾，香港著名角色設計師的RichardWong所設計的《 Ci Boys》公仔，不但在飲料淡季推出品牌公仔行銷之外，也融入台灣時令在考季推出考運公仔造成熱潮，使得新一波的公仔文化除了往藝術殿堂發展之外，也流竄 到我們的生活周邊。 |
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